Eine außergewöhnliche Werkschau im Rahmen der Salzkammergut Festwochen Gmunden

Mit Marcus Füreder, weltweit bekannt unter seinem Pseudonym Parov Stelar, begrüßen wir einen Künstler, der wie kaum ein anderer die Grenzen zwischen akustischer und visueller Wahrnehmung auflöst. Die Ausstellung mit dem Titel „Leave The Future Behind“ findet in Kooperation mit den Salzkammergut Festwochen Gmunden statt und bietet einen tiefen Einblick in das vielschichtige Gesamtwerk des Österreichers.

Pingo ergo sum – Ich male, also bin ich

Während ein Millionenpublikum Parov Stelar als Pionier des Electro Swing und international gefeierten Musiker kennt, liegt der Ursprung seines kreativen Schaffens in der bildenden Kunst. Schon vor seinem weltweiten Durchbruch auf den Bühnen von Coachella bis Glastonbury studierte Füreder Kunst und Design in Linz sowie Berlin. Die Malerei ist für ihn kein bloßes Nebenprojekt, sondern ein existenzieller Ausdruck und der notwendige Gegenpol zur digitalen Musikproduktion. Sein Arbeitsprozess ist dabei so dynamisch wie seine Beats. Häufig beginnt ein Werk mit einem digitalen Entwurf, bei dem das Spiel mit dem Zufall, Collagen und Montagen im Vordergrund stehen. Diese Fragmente werden anschließend in einem intensiven analogen Prozess auf die Leinwand übertragen. In der Arbeit mit Ölfarben sucht Füreder die unmittelbare Impulsreaktion. Ein Bild ist für ihn erst dann vollendet, wenn es ihm „entgegenblickt“ und eine eigene, physische Präsenz entwickelt. Diese haptische Arbeit bietet ihm den nötigen Rückzugsort und eine Stille, die im Kontrast zum Rhythmus seiner musikalischen Karriere steht.

Ein Dialog zwischen den Welten

Die Ausstellung in Gmunden thematisiert diesen faszinierenden Zwischenraum. Die gezeigten Arbeiten lassen Einflüsse der Pop Art erkennen und erinnern in ihrer visuellen Kraft an Größen wie Andy Warhol oder Robert Rauschenberg. Doch Füreder entwickelt eine ganz eigene, hochgradig emotionale Bildwelt. Es sind psychografische Auseinandersetzungen, in denen persönliche Erfahrungen, innere Spannungen und Fragmente der Erinnerung sichtbar werden. Besonders spannend ist die Verbindung zu seinem aktuellen musikalischen Schaffen. Sein neuestes Album „Artifact“ setzt sich mit ähnlichen Themen wie Zeit, Erinnerung und parallelen Realitäten auseinander. Musik und Malerei entstehen bei Marcus Füreder in einem parallelen Prozess und befruchten sich gegenseitig. In der Ausstellung wird diese untrennbare Verbindung spürbar: Aus Klang wird Erinnerung, aus Farbe wird Emotion.

Kunst als unmittelbare Begegnung im Salzkammergut

Die Salzkammergut Festwochen Gmunden bieten den idealen Rahmen für diese Werkschau. In einer Region, die seit Generationen als Resonanzraum für Künstlerinnen und Künstler dient, lädt „Leave The Future Behind“ dazu ein, den Moment ganz neu zu bewerten. Der Titel wirkt wie ein paradoxer Aufruf: Wie kann man die Zukunft hinter sich lassen? Vielleicht, indem man sich der permanenten digitalen Überreizung entzieht und wieder lernt, wahrhaftig zu sehen und zu fühlen. Diese Ausstellung ist mehr als die Präsentation eines berühmten Musikers als Maler. Sie ist eine Einladung zum Dialog und eine Suche nach jener fragilen Form von Echtheit, nach der wir uns in einer zunehmend künstlichen Welt sehnen. Wir laden Sie herzlich ein, diese Magie der Verwandlung selbst zu erleben und in den faszinierenden Kosmos von Marcus Füreder einzutauchen.

• Eröffnung: 18. Juni
• Ausstellungsdauer: 16. August
• Öffnungszeiten: Mittwoch bis Sonntag 10:00 bis 15:00 Uhr, Montag & Dienstag geschlossen
• Ort: K-Hof Kammerhof Museum Gmunden
• Eintritt: Erwachsene € 10,00 Euro Kinder und Jugendliche bis 19 Jahre € 3,00

Informationen zur Ausstellungseröffnung Heiner Meyer – Kunst im Kabinett: Sebastian Speckmann

Mit der gemeinsamen Ausstellung von Heiner Meyer und Sebastian Speckmann präsentiert die Galerie zwei Künstler, deren Werke aus unterschiedlichen künstlerischen Traditionen hervorgehen und dennoch in einen intensiven Dialog treten. Meyers fotorealistische Pop-Art-Malerei und Speckmanns hochkomplexe Druckgrafik markieren zwei Pole zeitgenössischer Bildproduktion: maximale Sichtbarkeit und radikale Reduktion, Überfluss und Konzentration, Oberfläche und Tiefe. Gerade in dieser Gegenüberstellung entfaltet sich eine Spannung, die den Blick schärft und Wahrnehmung neu justiert.

Der Ausstellungsraum wird so zu einem Feld wechselnder Intensitäten. Meyers Gemälde dominieren durch Präsenz, Farbe und ikonische Klarheit, während Speckmanns Arbeiten Nähe verlangen und sich erst in der stillen Betrachtung vollständig erschließen. Beide Positionen eint eine kompromisslose technische Meisterschaft und ein ausgeprägtes Bewusstsein für die Macht der Bilder. Gemeinsam zeichnen sie ein vielschichtiges Bild unserer Gegenwart, in dem Konsum, Erinnerung, Melancholie und ästhetische Verführung nebeneinander bestehen.

• Eröffnung: 08. Juni – 19:00
• Ausstellungsdauer: 19. Juli

Kunstwerke der Ausstellung

Heiner Meyer

Heiner Meyer (*1953 in Bielefeld) ist eine Ausnahmeerscheinung der deutschen Gegenwartskunst und gilt als unbestrittener Meister der zeitgenössischen Pop-Art. Er studierte an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und war Meisterschüler bei Malte Sartorius. Prägende Jahre verbrachte er in Spanien, wo er eng mit Salvador Dalí zusammenarbeitete. Diese Erfahrung von Exzentrik, Inszenierung und handwerklicher Präzision ist bis heute in seinem Werk spürbar.

In Meyers Gemälden prallen Bildwelten aufeinander: Antike Skulpturen, kunsthistorische Zitate und klassische Körperideale treffen auf Supermodels, Luxusfahrzeuge und globale Marken wie Chanel oder Louis Vuitton. Mit fotorealistischer Genauigkeit malt er Glanz, Lichtreflexe und Oberflächen und erschafft Bilder von verführerischer Perfektion. Meyer verzichtet bewusst auf moralische Wertungen. Er beobachtet das Zusammenspiel von Erotik, Status und Vergänglichkeit und friert den schönen Schein unserer Konsumgesellschaft in Öl ein. Mit über 300 Einzelausstellungen weltweit zählt er zu den erfolgreichsten deutschen Künstlern seiner Generation.

In der gemeinsamen Präsentation von Heiner Meyer und Sebastian Speckmann entsteht eine Ausstellung, die Gegensätze nicht auflöst, sondern produktiv nebeneinander stellt und gerade dadurch einen konzentrierten, vielschichtigen Blick auf die Bildwelten der Gegenwart eröffnet.

Informationen zur Gruppenausstellung Jakob Gasteiger, Peter Niedertscheider und Alexander Ruthner

Diese Ausstellung vereint drei Künstler, deren Werke auf den ersten Blick unterschiedlicher kaum sein könnten und gerade darin ihre besondere Harmonie entfalten. Malerei ohne Pinsel, Skulptur fast ohne Volumen und eine Malerei, die zwischen Gegenstand und Auflösung oszilliert. Was sie verbindet, ist ein radikales Nachdenken über Oberfläche, Material und Wahrnehmung.

Die Arbeiten von Jakob Gasteiger, Peter Niedertscheider und Alexander Ruthner treten nicht in Konkurrenz, sondern stehen nebeneinander wie drei unterschiedliche Sprachen, die über dieselben Themen sprechen. Es geht um Reduktion und Intensität, um das Sichtbarwerden von Zeit im Material, um das Verhältnis von Kontrolle und Loslassen. Der Ausstellungsraum wird dabei zum Resonanzkörper: Licht, Schatten und Bewegung der BetrachterInnen aktivieren die Werke immer wieder neu.

Gemeinsam erzeugen die drei Positionen eine Atmosphäre konzentrierter Stille, die nicht leer, sondern hoch aufgeladen ist. Gasteigers rhythmische Farbrillen antworten auf Niedertscheiders kaum merkliche Tiefen im Stein, während Ruthners malerische Gesten wie ein pulsierender Gegenpol wirken. Die Ausstellung entfaltet sich als choreografiertes Nebeneinander, in dem jedes Werk Raum lässt für die anderen und für die Wahrnehmung.

• Eröffnung: 13. April – 19:00
• Ausstellungsdauer: 31. Mai

Kunstwerke der Ausstellung

Jakob Gasteiger

Jakob Gasteiger (*1953, Salzburg) hat die Malerei von einer ihrer zentralen Gewissheiten befreit: dem Pinsel. Mit Kartonkämmen zieht er pastose Farbe in gleichmäßigen Bahnen über Leinwand oder Sperrholzplatten. Farbe wird bei ihm nicht zum Mittel der Darstellung, sondern zum eigentlichen Inhalt. Seine Werke sind Selbstdarstellungen der Farbe: präzise, ruhig und zugleich sinnlich.

Die gezogenen Rillen reagieren sensibel auf Licht und Standort, erzeugen Schatten, Vibration und Tiefe. Malerei wird zu einem körperlich erfahrbaren Ereignis. Als wichtiger Vertreter der Analytischen Malerei steht Gasteiger für eine radikale Reduktion, die paradoxerweise maximale Präsenz erzeugt.

Alexander Ruthner

Informationen zur Ausstellungseröffnung „Zeitlinien“ mit Billi Thanner

Wenn sich ab 2. März die Türen der Galerie Schloss Parz öffnen, entfaltet sich mit Zeitlinien ein spannungsreicher Dialog zweier souveräner künstlerischer Handschriften. Billi Thanner und Madita Kloss stehen für unterschiedliche Generationen, ästhetische Strategien und Erfahrungsräume – und doch kreuzen sich ihre Arbeiten in zentralen Fragen unserer Zeit. Identität, Selbstbild, Körper, Spiritualität und die Macht der Bilder ziehen sich wie unsichtbare Linien durch diese Ausstellung und verbinden Vergangenheit, Gegenwart und mögliche Zukünfte.

Zeitlinien ist bewusst als Gegenüberstellung konzipiert. Der großzügige Hauptraum der Galerie wird von Billi Thanners unverkennbarer Energie geprägt, während Madita Kloss im Rahmen von „Kunst im Kabinett“ einen konzentrierten, intimen Resonanzraum bespielt. Zwei räumlich getrennte Präsentationen, die inhaltlich eng miteinander verwoben sind, laden dazu ein, zwischen expressiver Unmittelbarkeit und erzählerischer Verdichtung zu wechseln. Die Ausstellung versteht sich als Einladung, Zeit nicht linear zu denken, sondern als Geflecht aus Überlagerungen, Brüchen und Wiederholungen.

• Eröffnung: 02. März – 19:00
• Ausstellungsdauer: 06. April

Kunstwerke der Ausstellung

Billi Thanner

Billi Thanner zählt zu den markantesten Stimmen der österreichischen Gegenwartskunst. Spätestens mit ihrer monumentalen Installation „Himmelsleiter“ (2021), die den Wiener Stephansdom in goldenes Neonlicht tauchte, wurde sie auch über die Kunstwelt hinaus bekannt. 2025 beeindruckt sie mit der Lichtinstallation  „Unendlichkeit des Lichtes“  auf der Votivkirche. Thanners Praxis ist vielseitig und physisch präsent: Neon, Licht, Aktionismus, Malerei und installative Eingriffe verschmelzen zu einer Kunst, die Räume nicht nur bespielt, sondern atmosphärisch auflädt.

Besonders charakteristisch ist ihre Malerei auf speziellen Folien, die an Hinterglas-Techniken erinnert und eine künstlich schillernde Oberfläche erzeugt. Inhaltlich rückt Thanner die Frau ins Zentrum: selbstbewusst, fordernd, nicht dekorativ, sondern handelnd. Ihre Arbeiten verbinden Konsumästhetik mit existenziellen Fragestellungen und thematisieren Schönheit, Vergänglichkeit, Körperpolitik und gesellschaftliche Verantwortung. In Zeitlinien erscheinen ihre Werke wie Marker einer intensiv gelebten Gegenwart: laut, leuchtend, emotional zugänglich und zugleich philosophisch aufgeladen.

Die Eröffnung von Zeitlinien am 2. März um 19:00 Uhr markiert einen besonderen Start im Jahresprogramm der Galerie Schloss Parz. Zwei künstlerische Positionen treffen aufeinander, die den Raum auf unterschiedliche Weise beanspruchen und gerade dadurch einen produktiven Dialog eröffnen. Der Wechsel zwischen Hauptraum und Kabinett wird selbst zur Erfahrung: von der leuchtenden, raumgreifenden Geste hin zur stillen, erzählerischen Konzentration.

Zeitlinien lädt dazu ein, diese Übergänge bewusst wahrzunehmen und sich auf unterschiedliche Geschwindigkeiten des Sehens einzulassen. Die Ausstellung zeigt, wie vielfältig zeitgenössische Kunst Zeit reflektieren kann: als Moment, als Erinnerung, als Projektion.